Durante los meses de abril y mayo el balcón de la Casa del Sargento presenta Archivo SJ 13-22, un montaje de Tony Cruz Pabón.

Pasa a verlo caminando o en carro.

El montaje cuenta con una colección de fotos realizadas desde el año 2006 al presente. Estas fotos sirven como un archivo de objetos “ingeniosos” que nacen de la necesidad ocasional de algunos vecinos y trabajadores del Viejo San Juan para reservar un estacionamiento. Además de la colección de fotos, Tony presenta Pie de amigo, un objeto para guardar estacionamientos. Esta pieza está basada en una fotografía de La columna sin fin de Brancusi, en el momento justo antes de ser instalada.

Aparición es una serie de presentaciones itinerantes que toman como lugar el espacio del balcón de Beta-Local en la Casa del Sargento, calle Sol del Viejo San Juan. Esta serie de “apariciones” son un ejercicio para dejar una rastro de presencia humana en nuestro lugar de encuentro.

El espacio vacío entre dos carros
Texto por Marichi Scharrón del Río
Abril 2022

Encontrar estacionamiento en el Viejo San Juan puede requerir una combinación antagónica de urgencia y paciencia zen, una canalización de energías que fomente un estado de alerta que, a su vez, permita la anticipación justa para poder encontrar ese espacio disponible. Ver una persona caminando con llaves en las manos. -Va a salir. Ver sombras dentro de un carro. -Va a salir. Ver luces recién encendidas. -Va a salir. O tal vez lo único que se necesita es suerte. Y estar alerta. Cualquier espacio vacío entre dos carros puede ser un parking. Lo cierto es que la cosa no termina al encontrarlo. Después hay que poner en práctica destreza y maña para aprovechar y ocupar un espacio que no siempre es el idóneo, en esquinas, en cuestas, de dimensiones limitadas.

La demanda es otro factor que complica el asunto. En un país de muchos vehículos, el espacio vacío entre dos carros puede ser un espacio muy valioso. Se busca con premura, se estaciona con rapidez, o se guarda con atrevimiento. A veces se guarda un parking porque ya se ha vivido muchas veces las consecuencias de la demanda. El tiempo perdido, la espera. A veces se guarda un parking porque se quiere estar más cerca del lugar donde se trabaja, donde se reside, donde se visita, para descargar y montar cosas, para mudarse. A veces se guarda un parking con lo que se tenga disponible:

silla 
       caja 
              paila 
                      cubo 
                               bolsa 
                                        columna 
                                                   zafacón 
                                                             sombrilla 
                                                                         taburete
                                                                                    andador 
                                                                                               persona 

El espacio vacío entre dos carros puede ser ocupado por un sinfín de objetos y entes:

silla de plástico y silla de mimbre 
silla de metal y paila 
silla con muletas 
silla con planta encima 
dos pailas y tabla 
escalera y paila 
mesita de noche 
burro con tabla en diagonal 
dos sillas y un tubo 
paila con tabla en diagonal 
tubo de metal entre dos burros 
pintura de flamboyán y cubo 
personas en dos sillas mirándose 
persona con teléfono y sombrilla 
persona sentada con audífonos 
personas paradas conversando 
persona sentada en paila con teléfono

Las limitaciones de espacio en la ciudad pueden agudizar el ingenio. Se hace uso de lo que se tenga a la mano al servicio de un propósito práctico. La creatividad no está en juego pero es útil. En las calles se revelan instalaciones espontáneas que se reproducen y son únicas.

La observación a diario identifica, acumula, colecciona, recuerda y clasifica estas ocurrencias visuales. La disposición de objetos cotidianos se transforma de lo práctico a lo estético ante la persona alerta. El encuentro azaroso se encarga del resto. El espacio vacío entre dos carros será igual y no volverá a ser el mismo.

Fotografías de Thais Lorca

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Durante los meses de octubre y noviembre el balcón de la Casa del Sargento será el lugar de exhibición de “Mesas y Bancos”, una pintura de Julio Suárez. Pasa a verla caminando o en carro.

Esta pintura está compuesta por 9 paneles pintados en una paleta de colores primarios y organizados de manera rítmica logrando una composición geométrica de gran escala. Una vez terminado el tiempo de exhibición de esta pintura los 9 paneles que la componen pasarán a ser las superficies de tres mesas y seis bancos que servirán como el nuevo soporte de nuestro quehacer diario. 

Estas mesas y bancos celebran lo que sucede en Beta-Local a diario. Son el soporte donde se desarrollan investigaciones, proyectos conducentes al  desarrollo de la percepción conceptual y visual de los participantes de este  proyecto educativo. Y también es el soporte para el delicioso manjar que se sirve un viernes al mes. 

Beta-Local es un proyecto alternativo para la educación. Considero estos bancos y mesas como un proyecto alternativo para la pintura. 

Julio Suárez

Aparición es una serie de presentaciones itinerantes que toman como lugar el espacio del balcón de Beta-Local en la Casa del Sargento, calle Sol del Viejo San Juan. Esta serie de “apariciones” son un ejercicio para dejar una rastro de presencia humana en nuestro lugar de encuentro.

Fotos de Thais Llorca

Julio Suárez (n. 1947) vive y trabaja en San Juan, Puerto Rico. Estudió escenografía en el Instituto Nacional de de Bellas Artes (INBA) en la Ciudad de México y ha expuesto extensamente en todo el Caribe, Centroamérica y Sudamérica. Su obra forma parte de varias colecciones privadas e institucionales como el Instituto de Cultura Puertorriqueño (ICP); el Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR), el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC). Las exposiciones recientes incluyen: Lugar específico, Museo de Arte de Puerto Rico; Soñar es una forma de Planear, Galería Agustina Ferreyra; The Way In, Fundación Banco Popular, San Juan y Julio Suárez, Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana.

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El balcón de La Casa del Sargento está ocupado desde el mes pasado por una versión provisional a modo de ensayo de Balaustrada del manicomio, un ejercicio escultórico del artista puertorriqueño Ramón Berríos como parte de la serie Aparición.

Pasa a verla caminando o en carro.

Aparición es una serie de presentaciones itinerantes que toman como lugar el espacio del balcón de Beta-Local en la Casa del Sargento, calle Sol del Viejo San Juan. Son un ejercicio para dejar una rastro de presencia humana en nuestro lugar de encuentro.

La intervención de Ramón Berríos cuenta con una escultura tallada en madera de forma distorsionada, compuesta de balaustres y vigas de ausubo. Estos materiales son vestigios del antiguo Manicomio del Viejo San Juan que el artista ha recolectado y transformado según los encuentra para embonarlos y comunicarlos de diferentes maneras creando lo que él llama “una locura formal”. 

En la pared hay 18 cuadros de mármol, algunas con transferencias de imágenes del antiguo hospital y otras con imágenes del mismo lugar pero en el presente, en la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico. Cada cuadro de piedra está iluminado desde atrás creando imágenes fantasmagóricas de escenas y escenarios vacíos de la actual escuela de artistas y de la antigua “casa de locos”. 

Ramón Berríos nació en Santurce, Puerto Rico, el 1 de abril de 1971. Desde 1999 se desempeña como profesor de escultura en la Escuela de Artes Plásticas y Diseño en San Juan, Puerto Rico.

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La instalación se puede apreciar desde la calle. Pasa a verla caminando o en carro.

Aparición es una serie de presentaciones itinerantes que toman como lugar el espacio del balcón de Beta-Local en la Casa del Sargento, calle Sol del Viejo San Juan. Esta serie de “apariciones” son un ejercicio para dejar una rastro de presencia humana en nuestro lugar de encuentro.

Sin Título, 01
Texto por Marién Vélez, IALD
Junio 2021

El mar y el atardecer son emplazados en la intersección de las calles del Sol y José Celso Barbosa del Viejo San Juan. Migdalia Luz Barens-Vera abstrae con luz fuerzas naturales del contexto geográfico-sensorial (sensuous geography¹), para entablar una conversación en torno a dinámicas entre cuerpo, percepción, espacio y luz.

La instalación lumínica conecta el pedazo de cielo sobre el cruce de calles, una de las cuatro esquinas de la intersección y la desembocadura de ambos caminos. Traslada matices lumínicos de los paisajes del mar y del atardecer al contexto público urbano; inunda con luz el espacio interior cerrado a los cuerpos; metaforiza la ‘angulación’ solar durante el crepúsculo con colores saturados y en la esquina de un balcón enrejado. Tal parece que la artista comenta nuestra luz, una luz que habla de nuestras coordenadas y condiciones. 

Barens-Vera parte de nociones de la ‘luz del lugar’ (light of place²) y su relación con el exterior e interior del espacio arquitectónico. La ‘luz del lugar’ es una especie de firma lumínico-espacial que deriva de relaciones cambiantes entre varias fuentes lumínicas, desde las superficies que los fotones impactan en su camino, hasta las partículas que viajan por el aire y se cruzan con la luz espesando el supuesto vacío. Por tanto, cada lugar contiene una serie de condiciones lumínicas singulares e irrepetibles. Migdalia deja rastros de luz sobre la fachada del espacio, huellas de la secuencia solar que concluye en el oeste y sigue su rumbo dejando, sus bordes difundiéndose con la luz del mar que invade desde el norte el interior del espacio. 

Marién Vélez, IALD
Embajadora en Puerto Rico y el Caribe para el proyecto Women in Lighting (Light Collective)
22 studio (Partner + Head Designer)

Referencias

1. Paul Rodaway, Sensuous Geographies: Body, Sense and Place (New York: Routledge, 1994.), 3-9. ↵
2. Norris, Davidson. “The Unique Light of Place”. Lighting Magazine, Vol 49, Issue 05, (2017): 54-71. ↵

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Mezclando imágenes fijas y en movimiento, audios y músicas todo encontrado en internet. Un ejercicio que estudia las similitudes, los patrones musicales, parentescos y diferencias de los territorios de la región.

Este video es una presentación inspirada en el formato de los Listening Sessions de Beta-Local sobre influencias, intereses y derivas musicales. Es parte de nuestra exploración con colaboradores para encontrar formas, actividades, contenidos y medios de programación pública en tiempos de distanciamiento físico por el coronavirus.

Ricardo Ariel Toribio Genao. 1993 Santiago, República Dominicana. Es un músico cineasta que trabaja desde Santo Domingo. Su trabajo se centra en la cultura Dominicana, su historia, su presente y su futuro. Es cofundador del proyecto Los tejedores.

Dale click a la imagen para reproducir el video en YouTube.

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Este taller es una introducción a la programación para artistas.  Partiendo desde cero se plantean acercamientos y aplicaciones de varias herramientas tecnológicas para proyectos de arte.  El taller lo imparte Noelia Medina Fernández, quien participó de la Práctica 2016-17 y se enfoca en personas sin experiencia previa en arte y tecnología. 

Las sesiones son de dos horas todos los martes y viernes (11 de mayo – 29 de junio) a las 10:00 por por zoom. Cupo limitado a 12 personas.

Cronograma

Mayo

• martes 11: Introducción al curso. Qué vamos a ver estos dos meses. Clase de introducción al diseño de interfaces. (Pensar las piezas de otra manera, tipos de interacción, ejemplos de obras, etc…)
• viernes 14: Introducción a la programación. ¿De qué va esto? Lenguajes existentes, cuáles son los que vamos a utilizar, herramientas a disposición, breve introducción a la programación orientada a objetos. 
• martes 18: Processing. Lenguaje de código escrito 
• viernes 21: Processing
• martes 25: Processing
• viernes 28: Processing

Junio

• martes 1: Pure Data. Programación gráfica.
• viernes 4: Pure Data
• martes 8: Pure Data.
• viernes 11: Arduino. Programación física
• martes 15: Arduino.
• viernes 18: Arduino
• martes 22: OSC. Protocolo de comunicación para proyectos interactivos. 
• viernes 25: (proyectos/osc/dudas/etc)
• martes 29: (Proyectos/dudas/TouchDesigner/etc)

Noelia Medina Fernández es artista visual e investigadora. Graduada en Bellas Artes por la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico, ha finalizado recientemente sus estudios de Máster en Artes Visuales y Multimedia en la Universidad Politécnica de Valencia.

Medina Fernández ha formado parte de La Práctica 2016-2017, el Programa de Estudios Independientes de Beta-Local en Puerto Rico, y ha sido parte de la zona Campus en Ars Electronica Festival (Linz, Austria) los años 2019 y 2020. Su trabajo ha sido exhibido individual y colectivamente en espacios alternativos e institucionales en Puerto Rico, España o Nueva York.

A partir de una práctica experimental desarrollada en los últimos años en torno al tema de la historia y la memoria, sus intereses actuales se centran en la investigación sobre la interacción humano-computadora al final de la vida y más allá, en la creación de interfaces emocionales y wearables que asistan en procesos relacionados con el bienestar físico y emocional y en la creación de proyectos multimedia en los que los medios conviven con la ficción y la autoficción, el uso de materiales orgánicos y el empleo de medios tradicionales como el dibujo o el textil.

Imagen de Noelia Medina Fernández

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12, 19 y 26 de mayo de 2021 @3:00 p.m.
Virtual
Con Johan Mijail, Thaís Espaillat Ureña y Yina Jiménez Suriel

Puedes participar en todas las sesiones o escoger los días que prefieras. Mira el calendario y los temas de cada día.

>>>Descarga los materiales y las lecturas aquí.<<<

El Caribe empezó en el fuego y continua en el agua.

Imagen: Nadia Huggins Below the surface, Circa No Future 2019

Si caminas el Caribe por el mar, te darás cuenta que en realidad no existen islas sino una sucesión montañosa entre aguas. Habitamos en laderas y valles de cordilleras submarinas. Muchas de estas formaciones montañosas son volcánicas y se han estado moviendo desde las islas Galápagos hasta engrampar en el centro del continente. No en vano quienes trabajan con la geología hablan de la placa tectónica del Caribe como “un marco de referencia absoluto en términos de movimiento”.

Seguir viviendo y pensando desde el Caribe implica asumir el movimiento como parte intrínseca de la cotidianidad de todo ser vivo que anda por estas aguas y tierras. El movimiento como una estrategia frente al orden de lo estable que plantea el colonialismo.

Este ciclo de lecturas pretenden contribuir a reencontrarnos con lo que se mueve, procesos de ritmos lentos que se gestionan sobre la imaginación de presentes en relación.

Calendario

Johan Mijail / miércoles 12 de mayo de 2021, 3:00 pm
Caribe, escrituras, travestis y monstruos. Se propone como un recorrido sobre posibles maneras de viajar en y por provocaciones de la disidencia. ¿Cómo activar una memoria otra que cuestione el pacto heterosocial?

Thaís Espaillat Ureña / miércoles 19 de mayo de 2021, 3:00 pm
Surrealismo punk: ¡No hay futuro! Sí, eso ya lo sabíamos, pero, ¿qué hacemos para subvertir el presente que constantemente pretende aplastarnos?

Yina Jiménez Suriel / miércoles 26 de mayo de 2021, 3:00 pm
La historia de las montañas. La historia de las montañas, es a la vez la historia de las aguas y la historia de la huida y la emancipación en el Caribe. Esta sesión se desarrollará alrededor del océano como espacio desde el cual plantear imaginaciones radicalmente distintas a las actuales.

Johan Mijail (Santo Domingo, República Dominicana, 1990) Escritor y performer. Catinga Ediciones leader. Estudió periodismo. En 2011 publica el libro de poesía ilustrada “Metaficción” y participa en la película Sister del Colectivo Lewis Forever en la ciudad de Berlín, Alemania. En 2014 publica “Pordioseros del Caribe” y en 2016 junto Jorge Díaz del Colectivo Universitario de Disidencia Sexual (CUDS) “Inflamadas de retórica. Escrituras promiscuas para una tecno-decolonialidad”, ambos por Editorial Desbordes. Ha mostrado su trabajo performativo en Estados Unidos, Uruguay, Chile, Costa Rica, República Dominicana, Alemania y Colombia, con un trabajo escritural y visual que invita a un imaginario transfeminista y decolonial. Se ha abjudicado la Beca Migrante (2015) del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile y la Beca Catalizadora de TEOR/éTica en 2020 y en 2016 participa en el 10° Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política “ex−céntrico: disidencias, soberanías, performance (Universidad de Chile−Universidad de Nueva York). Ha sido parte de las antologías “Vivir Allá” editorial Ventana Abierta (Chile), “Inflexión marica. Escrituras del descalabro gay en América latina (España), “Afectos y disidencias sexuales jota-cola-mariconas en la Abya Yala (México) y “Sin pasar por Go. Narrativa dominicana contemporánea”, compilado por Rita Indiana (México) . Recientemente participó de las muestras colectivas “Todos los tonos de la rabia” en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (España) y “Colirio” en el Centro Cultural de España de Santo Domingo. En 2018 publica por la editorial chilena Los Libros de la Mujer Rota “Manifiesto Antirracista. Escrituras para una biografía inmigrante”, en 2020 la fanzine “Santo Domingo is Burning” por Catinga Ediciones, y en 2021 su primera novela “CHAPEO”, por la editorial mexicana Elefanta Editorial.

Thaís Espaillat Ureña es poeta, editore y artista visual. Es incapaz de elegir mal las mandarinas en el supermercado. Ha publicado algunos libros y fanzines, entre ellos Pudo haberse evitado (Eloísa Cartonera, 2017; Ediciones Cielonaranja, 2018), A veces quisiera dormir dentro de un pomelo (Ediciones Nebliplateada, 2019), ¿Tienes quien te cuide la mula? (Ediciones Liliputienses, 2020), Cuaderno 4: Colección Frasco de Paisaje (Moñohecho, 2020) y Notas sobre la morfología del Malecón (Ediciones de A Poco, 2020). Su trabajo aparece en revistas y antologías de Latinoamérica y Europa.

Yina Jiménez Suriel es curadora e investigadora. Obtuvo su maestría en historia del arte y cultura visual con enfoque en estudios visuales por la Universitat de València. Ha colaborado en distintas instituciones, entre ellas Casa Quien, Centro León, Kulturstiftung Basel H. Geiger y el Museo de Arte Moderno de Medellín. Ha participado en seminarios, talleres y congresos de arte y estudios visuales en diversas instituciones, entre ellas: Universidad Autónoma de Madrid, Universidad de los Andes, Institut Kunst de la FHNW Academy of Art and Design, Pratt Institute y ha escrito en medios especializados como Arquitexto y Terremoto. Vive y trabaja desde República Dominicana.

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Partimos de la noción de lo teatral como encuentro de distintos actantes (espectadoras, actores, organismos, objetos), unidas en redes de percepciones/acciones que pueden darse en distintos planos de presencia.  Así, a pesar de que la modalidad del laboratorio es virtual, indagamos cómo estos entramados se expanden e interconectan entornos caseros, urbanos, imaginales, oníricos, digitales, de superficies.  

El taller combinará, entonces, procesos de meditación y visualización con ejercicios creativos en áreas de actuación telemática, escritura, y la generación de estructuras teatrales.  Nos enfocaremos en andamiajes cíclicos, que subviertan las lógicas tradicionales de principio/medio/fin y nos lleven a la exploración de nociones de lo temporal basadas en repetición.  El curso transita por distintas prácticas: enunciación de textos (mantras), acciones físicas, escrituras y dibujos mediúmnicos, cadenas de dictados y transcripciones, grabaciones, playbacks.  En este sentido, tanto procesos de actuación como de espectaduría devienen fluidos: funciones de cómo cada cual se mueva a través de los esquemas establecidos o cómo se cambien estos esquemas. La noción del taller como laboratorio se basa precisamente en la generación de nuevas técnicas junto a los participantes mismos (adelantamos que en el proceso no todo siempre funciona, o funciona de la forma esperada).

El laboratorio tiene la potencialidad de utilizarse de muchas maneras:  como ventana a modos de hacer teatro (compartiremos historias de trayectoria y pensamiento de la Compañía Casa Cruz de la Luna); como aprendizaje o repaso de teorías claves del teatro moderno y su relación con prácticas virtuales actuales (las sesiones incluyen charlas didácticas por el facilitador); como medio de producir material creativo para cada individuo (literario, performático, plástico); y como colaboración en una labor de creación grupal a través de ejercicios que iremos desarrollando a través del curso.  Para esto último, las participantes deben estar preparadas para memorizar textos (1 poema de 1 página y un dramita de 4 páginas) como parte del proceso.  Enviaremos los textos dos semanas antes de la primera sesión a personas ya inscritas.  Las piezas grupales se presentarán en una muestra final abierta al terminar el taller. 

Lenguaje de instrucción:  español (aunque participantes podrán crear ejercicios en otros lenguajes)

Horario y fechas

Sesiones principales de taller/laboratorio: domingos, 2 de mayo al 27 de junio de 2021, 1:00PM a 3:30PM

Para complementar procesos además de la sesión formal una vez a la semana, ofrecemos una sesión “libre” semanal donde participantes tendrán la opción de ensayar más los ejercicios, traer otros temas relacionados al taller, consultar/compartir proyectos individuales o trabajar en las asignaciones de la semana.  

Sesiones libres (opcionales):  jueves, 6 de mayo al 24 de junio de 2021, 7:00 PM (1 a 3 horas)

Nota:  En la semana anterior al último día del taller (la muestra final) añadiremos una sesión preparatoria, pautada por consenso.

Foto de Emmanuel Díaz Miranda

Aravind Enrique Adyanthaya. Editor.  Generador de entramados que toman la forma de teatro, libros, grabaciones e híbridos. Desde 1998 dirige la Compañía de Teatro de Casa Cruz de la Luna con base en San Germán Puerto Rico.  Con el grupo sus piezas han viajado a Inglaterra, Cuba, la República Dominicana, Perú, España, México y Holanda. En Estados Unidos sus obras han sido desarrolladas y presentadas por:  INTAR, el Teatro Guthrie, Teatro del Pueblo, Pangea, Red Eye Collaboration y el Public Theatre, entre otros.  Ha recibido:  el Primer Premio de Dramaturgia del Instituto de Cultura Puertorriqueña; el Premio de Teatro de Casa del Teatro, República Dominicana; el Premio Asunción de Pregones; y becas de Dramaturgia de las fundaciones Jerome, Joyce y McKnight.  Labores en proceso comprenden:  la exploración transmediática de políticas, historias e imaginarios de ruinas en los pueblos de la Isla a través del proyecto LIIT. Laboratorio Itinerante de Investigación Teatral; la creación en proceso de un montaje virtual híbrido de su texto Las facultades enfocado en interacciones de espectaduría; y el desarrollo de un nuevo episodio de su unipersonal de escritura acto Prometeo encadenado que integra actos comunales.  

Aravind posee un doctorado en historiografía teatral del Departamento de Teatro y Danza de la Universidad de Minnesota en Minneapolis y un doctorado en medicina de la Clínica Mayo. 

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Facilitado por Xandra Ibarra, artista visual con base en Oakland y original de El Paso/Juarez border. 
Jueves: 8, 15 y 22 de abril, 3:00 p.m. – 4:00 p.m., San Juan AST (12-1pm PST)
Reserva tu espacio: info@betalocal.org
**Ver horario corregido 3:00 p.m. hora Puerto Rico**

In this reading group, we will think through, critique and discuss (some) social limits and capacities of social art- art that engages the public, community, and/or site- to unearth how our positions as participants and/or artists function as ‘sites’ to be mobilized, exploited, and engaged in the service of social movements and dominant art markets.

All readings will be provided in English. Discussion will be conducted in Spanglish and in the colonial languages of English & Spanish.

*Image credit: Xandra Ibarra, The Hook up/Displacement/Bar Hopping/Drama Tour, 2017.  Photograph by Robbie Sweeny 

Xandra Ibarra is an Oakland-based visual artist from the El Paso/Juarez border. She works in performance, video, and sculpture. Her work often addresses abjection and joy and the borders between proper and improper racial, gender and queer subject. She has been awarded Lucas Artist Fellowship for Visual Art Award, The Queer|Art Award for Recent Work, the Eisner Film and Video Prize, the Art Matters Grant,  NALAC Fund for the Arts, and the Franklin Furnace Performance and Variable Media Award. Ibarra’s work has been featured at Ex Teresa Arte Actual (Mexico), El Museo de Arte Contemporáneo (Colombia), The Broad Museum (LA) and the Leslie-Lohman Museum (NYC) to name a few. For more info visit: www.xandraibarra.com

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Los Listening Sessions de Beta-Local es una serie sobre influencias, intereses y derivas musicales. Esta presentación es parte de nuestra exploración con colaboradores para encontrar formas, actividades, contenidos y medios de programación pública en tiempos de distanciamiento físico por el coronavirus.

Recluso es un artista independiente que se distingue por el uso de una máscara de luchador negra para todas sus presentaciones. Es productor de ritmos enfocado en el arte del sampling y looping. Lleva 10 años trabajando ritmos desde diferentes máquinas, con una inclinación hacia el género musical del rap y el hip hop.

Mira el playlist aquí. Contiene 30 videos.

>>Ir al archivo de Listening Sessions

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