Llaima Suwani Sanfiorenzo, es artista puertorriqueña con estudios en Humanidades y Cine. Estará presentando el proceso de investigación y realización de una pieza audiovisual de característica experimental, con elementos de danza contemporánea y una anticoreografía para la cámara. La pieza de título provisional “Elle Mnemósine” conceptualiza la performatividad de la memoria y trata el tema de la antimilitarización, la trata humana, la vigilancia colonial, la mujer libre y la naturaleza. Llaima es la directora, escritora y una de las figurantes de la pieza junto a Karen Langevin, artista invitada. El equipo técnico está compuesto principalmente por Brendaliz Negrón como fotógrafa, Johannes Peters como sonidista y Marie Alicia González como editora.

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Continuamos el ciclo de Pin-ups en colaboración con el Puerto Rico Artist Initiative, para compartir los procesos de los artistas participantes de este proyecto y abrirlos a crítica y discusión. En esta tercera ocasión, Helen Ceballos y Félix Rodríguez comparten sus investigaciones artísticas en proceso.

Helen Ceballos

¨Les artistas no hacemos obra. Inventamos prácticas. La obra es secundaria a la actividad artística que hacemos. Lo que hacemos es inventar prácticas sensibles. Cualquier práctica fabricada en la actividad artística es una práctica de mutación subjetiva y enganche social. Las prácticas que inventamos, los afectos que hacemos pasar mediante ellas no nos dejan indemnes. Descolonizarse del campo donde nos movemos implica, a veces, cierta soledad para componer nuevas alianzas y afectos-conceptos que nos dejen respirar.¨ S. Lang

Helen Ceballos es artista multidisciplinaria del performance. Además, es productora y gestora cultural. En su investigación y práctica ha trabajado con nociones y conceptos sobre la descolonización del cuerpo, la migración y el artivismo. Ceballos se usa como sujeto y objeto de estudio. Lo que hace con lo que le pasa es su obra y práctica artística. Algunas de las líneas temáticas que aparecen en este trabajo investigativo-performático es la noción de – frontera– corporal, espacial, personal y política; acompañada de una mirada a la etimología del duelo emocional. Un dolor encarnado, donde no hay de otra que mudar la piel.

Félix Rodríguez Rosa

CCC (Cuido Clínico Corpóreo) es un estudio integral para atender asuntos éticos y estéticos sobre la relación cuerpx-enfermedad.  De igual manera, se propone el desarrollo de una «clínica performática».  ¿Cómo puedo «tratar» mi cuerpx «enfermx» desde una aproximación estética, y cómo, desde un aspecto terapéutico-personal, ayudar a mi cuerpx en su proceso?

Félix Rodríguez-Rosa es artista visual transdisciplinario y proveedor de servicios de salud.  Asume la práctica artística desde la experiencia cotidiana.  Utiliza su cuerpo como marco de investigación, y lugar de referencias, con la intención de explorar poéticas político-personales.   Colabora con PISO proyecto desde el 2012.  Actualmente trabaja como Apoyo Clínico en PRCONCRA y es auriculoterapista en el Proyecto Salud y Acupuntura para el Pueblo (SAPP). Desde junio del 2019 co-dirige el Colectivo de Artistas Multidisciplinarixs Positivxs (CAMPOZ). 

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Iniciamos un ciclo de Pin-ups en colaboración con el Puerto Rico Artist Initiative, para compartir los procesos de los artistas participantes de este proyecto y abrirlos a crítica y discusión. En esta primera ocasión, Pó Rodil y Teresa Hernández comparten sus investigaciones artísticas en proceso.

IslA-gordA-maricA

En este proyecto-investigación auto-referente, Pó Rodil utiliza el concepto de Cuerpo Isla, que es uno que habla de cuerpo colonizado-geograficamente de y en una isla, y lo que implica; pero también habla del individuo, lo que le compone y la individualidad. Trabaja desde su mirada como individuo gordo, marica y queer -en el contexto de Puerto Rico-colonia. Busca habitar el mismo y usarlo como plataforma para explorar y visitar espacios físicos auto-referentes, también buscando conexión con otros cuerpos isla para experimentar con la temporalidad de los espacios en los que se presenta, utilizando como espejo la investigación con colaboradores queer y todas sus intersecciones como individues por medio de entrevistas y visitas a espacios identificados en las entrevistas. Toda esta investigación se dirige a ser material para uno, o varias muestras y trabajos performáticos y visuales.

Práctica de la incertidumbre y las Bravatas

Por otro lado, Teresa Hernández hablará sobre las maneras en que se encuentra sustentando su práctica artística interdisciplinaria en tiempos de incertidumbre extrema. “Cuando hablo de sustento me refiero al cómo llevar el “libido” de investigar-inventar-crear. Lo urgente cambia todo el tiempo, la sobrevivencia lo acapara todo. Por tanto, sostener los objetivos de una investigación artística particular es un reto constante, un posible fracaso, una deriva. Desde aquí comencé mi más reciente investigación artística Bravata: el comienzo de un comienzo (2018-2019…).” Bravata es una pieza de performance site-specific. Sus temas transitan por la sobrevivencia laboral, la explotación colonial, la pobreza intempestiva y lo trágico. Las materialidades que trabaja provienen del mar; destacando el trabajo con la sal. “Este performance se ha realizado dos veces en espacios y tiempos diferentes. Cada espacio-tiempo adelanta la investigación. Justo ahora me encuentro en un punto donde puedo mirar una posible ruta del proyecto que ahora nombro como Bravatas que comprende varias actividades-performances algunas realizadas y otras por venir”, aclara la artista.

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Los Pin-up son una combinación entre una presentación de trabajo en proceso, una tormenta de ideas y una crítica colectiva.

En este pin-up, Gonzalo Patricio, nos invita a la etapa preliminar para la conclusión de “Hallaréis”, una investigación cinematográfica que lleva trabajando desde el 2010.

Este ejercicio se presentará como pensar en público las posibilidades del proyecto a través de una narrativa cinemática realizada al azar de su audiencia, tomando en cuenta su construcción y su coincidencia para cumplir con su idea inicial-procesal: la épica resucitada.

Gonzalo Patricio (Santurce, 1984) se crió en Bethesda, MD, un suburbio al noroeste de Washington, DC. En el 2010, abandona una maestría de cine en Los Angeles para regresar a Puerto Rico y documentar el esfuerzo agrícola de su hermano mayor con la comunidad de Las Magas, Guayanilla. Su último obra de cine fue un díptico de dos medio-metrajes, “AKA MORO” (2014) y “el canto” (2014), exhibidos en varias programaciones locales, incluyendo la muestra Latinoamérica en Nosotros, de AdocPR.

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Los Pin-up son una combinación entre una presentación de trabajo en proceso, una tormenta de ideas y una crítica colectiva.

En esta ocasión, invitamos a la artista Ada del Pilar Ortiz a compartir su práctica y procesos de trabajo que ha estado desarrollando durante su actual residencia en Área – lugar de proyectos en Caguas.

Como un ideal que existe en la imaginación, el hogar tiene muchos y variados significados simbólicos integrados en el diseño físico de la casa, proyectados en ellos a través de los fundamentos en las que se desarrollan nuestras vidas. El paisaje, la ubicación geopolítica, las personas que viven con nosotros y las posesiones materiales con las que amueblamos nuestro hogar son aspectos esenciales del lugar donde vivimos. Las interacciones complejas con todos estos elementos dan definición al hogar y a nosotros. Por lo tanto, nosotros y nuestras experiencias quedan impregnadas en el habitáculo doméstico que reconocemos como nuestra casa. Para bien o para mal, por presencia o por ausencia, es un punto de referencia crucial para entender nuestra posición en el tiempo. En la búsqueda de extraer y preservar estas impregnaciones, acudir a la función de materializar la historia de un hogar y los rastros de los individuos que han transitado en ella se convierte en el asunto principal. Concretarlo desde las experiencias de un lugar en ruinas, desuso o abandono es más complejo, pues aquello que estuvo impregnado en un momento dado se encuentra intangible. Sólo existen fragmentos, pedazos, en ocasiones una totalidad, sin embargo comparte una formalidad al igual que una casa intacta. Para poder sacar estas impregnaciones, se necesita recuperar lo que se encuentra en último plano. En las capas de las paredes, por ejemplo, es donde se cobijan, duermen y fosilizan las marcas imperceptibles de aquellos quienes residieron en el espacio. Es allí donde han sobrevivido, y desde ese mismo espacio se arrancan, materializándose en una membrana que se convierte en la piel del hogar y en el espacio negativo de ella.

Bruce Nauman habla sobre el espacio negativo como: “[…] the underside and the backside of things. In casting, I always like the parting lines and the seams–things that help to locate the structure of an object, but in the finished sculpture usually get removed. These things help to determine the scale of the work and the weight of the material. Both what’s inside and what’s outside determine our physical, physiological and psychological responses–how we look at an object.” Por lo tanto, en el momento de desollar el contenido de la estructura durante el proceso plástico -a través del uso de fibra y goma líquida- el interior se ha convertido en el exterior. La ausencia se convierte en presencia, el vacío se transforma en materia, la materia es el molde y este es en donde nos hemos formado. Al las membranas ser desplazadas y reconfiguradas en un espacio alterno, se forma un diálogo en torno a la rememoración de su contenido intangible. Su ambigüedad pudiera hablar de absolutamente todos y a su vez de una experiencia singular.

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Los Pin-up son una combinación entre una presentación de trabajo en proceso, una tormenta de ideas y una crítica colectiva.

En esta ocasión, el actual participante de La Práctica Guillermo Boehler estará compartiendo su proceso de trabajo a lo largo de los pasados meses. Durante su residencia en Puerto Rico, Guillermo ha estado investigando y documentando el turismo de cruceros en la isla, así como el fenómeno reciente de los creyentes en que el mundo es plano. Así como en trabajos anteriores ha interrogado el poder y las implicaciones de la imagen fotográfica, en este caso busca utilizar la lógica de los tierraplanistas para especular sobre las imágenes y la posibilidad de representar el fin del mundo o del capitalismo.

La vista “sana” tiene un alcance de aproximadamente 5km al nivel del mar, un poco más de 3 millas. Todo lo demás debemos imaginar, es especulación de todo lo que no podemos ver. Jameson (y muchos otros después de él) ha dicho: “es mas fácil pensar en el fin del mundo que el fin del capitalismo”. En lugar de una proposición pesimista, quiero preguntar: ¿cuál es el fin del mundo que el capitalismo se está imaginando?
Empecé a interesarme como organizan las imágenes un grupo muy particular, lo tierraplanistas o The Flat Earth Society, y el viaje en un crucero que ellos están planeando para el borde del mundo en el 2020. Suena algo absurdo, yo sé, pero no lo voy a tratar como tal, ni como sátira o con ironía. Lo pienso en una dinámica seria de creación de realidad. Así, los invito a que olviden todo lo que nos han dicho de un globo terráqueo y pensemos en un planisferio. Pensar lo que es fácil de experimentar, lo que nuestra vista nos hace creer.

Mi exploración es desde el lugar de observador de la partida de este crucero al fin del mundo. Imaginar nuestro lugar en el muelle, viendo el espectáculo y sobreviviendo la invasión sistemática. Es enviajarme sobre su partida, sobre su navegación, sobre su llegada, y el encuentro con su destino. Especular como este sistema de imágenes puede ser el reflejo de otros más dañinos. Y pensar en nuevas formas de representar el fin del mundo/capitalismo.

Guillermo Boehler (1994, Brasil/Costa Rica)
En su proceso artístico trata de desmontar las imágenes para encontrar formas de acceder a recuerdos insucitados, de toparse con elementos que permitan romper con la realidad normativizada y encontrar entre una pieza y otra la posibilidad dialéctica entre las imágenes, considerando que son capaces de producir un escape, una redención momentánea, esclarecer nuestro entorno y de producir nuevas posibilidades de realidad. Esta exploración se ha derivado a pensar las imágenes como dispositivos de subjetivación que permiten acceder a narrativas que no son contadas y buscar formas de transitar en la imagen.

www.guillermoboehler.com

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En esta ocasión, invitamos a la cineasta Kathryn Ramey a compartir ‘El Signo Vacío’, proyecto que ha estado trabajando en Puerto Rico por los pasados años y que recientemente fue seleccionado para recibir la beca Creative Capital para impulsar su desarrollo.

Utilizando películas y artefactos educativos, turísticos y militares de los Estados Unidos, junto a voces contemporáneas, imágenes y sonidos de Puerto Rico, El Signo Vacío (the empty sign) es un ensayo cinemático de larga duración que interroga los 120 años de ocupación estadounidense en Puerto Rico para revelar cómo las narrativas democráticas estadounidenses oscurecen efectivamente su dominación militar/capitalista.

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Kathryn Ramey es una cineasta y antropóloga cuyo trabajo opera en la intersección de los procesos de cine experimental e investigación etnográfica. Sus películas profundamente personales están caracterizadas por la manipulación de celuloide, incluyendo revelado a mano, impresión óptica y varias técnicas de animación directa. Su interés académico se enfoca en la historia social de la comunidad de cine de vanguardia, la antropología de la comunicación visual y la intersección entre prácticas vanguardistas y etnográficas de cine y arte.

Ramey ha recibido premios, becas y reconocimientos de diversas instituciones y ha presentado su trabajo en festivales de cine internacionales, museos y otros centros culturales. Es la autora del libro Experimental Filmmaking: BREAK THE MACHINE, y es una profesora en Emerson College en Boston.

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Los Pin-up son una combinación entre una presentación de trabajo en proceso, una tormenta de ideas y una crítica colectiva.

En esta ocasión, invitamos a Itsaso Otero, artista residente de visita desde España durante el mes de febrero, para que comparta su investigación en proceso titulada “Altitud cero”. El proyecto se basa en una investigación de los cambios formales a los que ha sido sometida la Bahía de San Juan, con especial interés en documentar las estructuras aledañas a la costa, aquellas que más de la mitad de su cuerpo se encuentran sumergidas.

La artista ha estado haciendo una investigación paralela con lecturas de pensadores antillanos (de historias submarinas), seleccionando fragmentos de los mismos que den cuerpo y sentido al estar en la Isla y al trabajo que esta desarrollando. Propone un encuentro en el que se reflexione acerca del por qué de la necesidad de los y las artistas puertorriqueñas de crear relatos. ¿Estos relatos funcionan como apremio del registro de la historia? ¿Se esta sustituyendo la imagen por el texto, reconfigurando el texto como imagen?

Los proyectos de Itsaso Otero giran en torno al territorio, a la práctica artística con vinculación a lo local. Su trabajos, de carácter heterogéneo y abierto, se mueven a través de reflexiones estéticas entre lo formal y lo conceptual. Guiados por referentes históricos y artísticos, utiliza diferentes medios y expresiones con dispositivos de escultura, fotografía o instalaciones.

Itsaso Otero está en Beta-Local gracias a un intercambio de residencias artísticas con TEA Tenerife Espacio de las Artes.

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“Busco poner a prueba de fuego una posible encarnación de unas prácticas inconexas pensadas luego del paso del huracán María. Pretendo acercarme hacia el arte como posible incubadora/laboratorio/publicación simultánea. Pensando a través de una visión política y procesal de un trabajo interminable y no linear, quisiera ver hasta donde pudiera desarrollar heramientas, acciones y practicas que responden más hacia la desconexion, la contradicción, la multiplicidad, la ruptura y la crisis, que a una orden, sequencia o lógica del mercado. Quiero confrontar ansiedades particulares sobre como presentar algo inconcluso, cuales son las herramientas que usamos para representar procesos, mientras se repiensa la idea de algo cohesivo y coherente”.

Luis Rivera es estudiante de la Escuela de Artes Plásticas y de Diseño de Puerto Rico.

Los Pin-up son una combinación entre una presentación, una tormenta de ideas y una crítica colectiva.

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Durante su participación en la Práctica, la investigación de Roberto Yiyo Tirado comenta acerca del paisaje en Puerto Rico como remanente, luego de los recientes fenómenos. Explora el paisaje temporero o de reemplazo; reflexiona las causas y los efectos del paisaje actual. Al mismo tiempo la propuesta hace énfasis en términos referentes al entorno tales como la temporalidad, la fragmentación y la transitoriedad. Con comentarios acerca de la imposibilidad de un desarrollo o rehabilitación del ambiente como consecuencia de la dependencia a un tercero o simplemente por la persistencia de un estado colonial.

Los Pin-up son una combinación entre una presentación, una tormenta de ideas y una crítica colectiva.

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